UN ESPACIO
12 noviembre 2024 – 17 enero 2025
La galería Álvaro Alcázar presenta, a partir del próximo 12 de noviembre, la exposición “Un espacio”, una muestra colectiva que gira en torno al amplio término “espacio”. Un total de dieciséis artistas, entre pintores, escultores y fotógrafos, se dan cita aquí para mostrar cada uno un espacio significativo para ellos o, simplemente, su visión de este concepto, que se manifiesta en múltiples dimensiones: desde el espacio interior de la psique humana hasta el vasto exterior de la naturaleza y el entorno urbano.
Para esta exposición, la galería ha contado con artistas de la casa como Jose Cháfer, Kepa Garraza, Guillem Nadal, Antonio Murado, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Peter Krauskopf, Mari Puri Herrero, Juan Gopar o José Luis Serzo. Además destaca la presencia de otros artistas invitados, como Paz Juristo y Anuca Aisa, María Carrión, Jude Castel y el holandés Pim Palsgraaf.
Uno de los “espacios” a los que más han recurrido los artistas en esta exposición es el exterior. Para Juan Gopar por ejemplo, la isla de Lanzarote es su espacio vital y todo lo que en ella acontece lo incorpora en su plástica. Los líquenes del volcán de la Corona, espacio al que el artista acude con frecuencia, son la fuente de inspiración del artista en la obra presentada. Para Eduardo Arroyo, “la Muezca”, una montaña situada frente a su casa de Robles de Laciana, fue un lugar especial que pintó en numerosas ocasiones y en diferentes épocas del año, hasta el punto que su deseo fue ser enterrado con vistas a ella. La naturaleza es para David Nash su “espacio” por el excelencia, pues toda su obra hace referencia a ella, o se sirve de elementos propios del espacio natural para crear sus esculturas y dibujos, como en Castle I. Jardín azul, de Mari Puri Herrero nos traslada, como ocurre con la mayoría de su producción, a espacios importantes en la vida de la artista, como Menagaray, Bilbao o Madrid, lugares de los que se sirve para ilustrar su pintura.
La fotografía de paisajes y escenas urbanas, como las del metro de Sevilla o los edificios de Nueva York, nos confronta con la dinámica del espacio público. Estas imágenes capturan la vida cotidiana. A través de la lente, el fotógrafo se convierte en un narrador que transforma un simple instante en una narrativa visual. Es el caso de Paz Juristo, quién presenta la imagen de un rascacielos neoyorquino y Anuca Aisa, que aporta una obra de su serie “subsuelos”. María Carrión también fotógrafa, capta en este caso la majestuosidad de unas cataratas, evocando un espacio natural donde el agua y el paisaje se funden, generando una sensación de calma y esplendor.
El francés Jude Castel representa, desde su particular uso del bolígrafo Bic azul, distintos espacios urbanos y de arquitectura que le llaman la atención en sus frecuentes viajes. En esta ocasión, el espacio expositivo del Centro Botín, en Santander, capta su interés, por su imponente arquitectura. Antonio Murado explora el concepto de «espacio exterior» a través de paisajes que oscilan entre lo figurativo y lo abstracto. Sus paisajes constituyen una parte fundamental y reconocible de su célebre trayectoria, en la que investiga con diferentes materiales para lograr sorprendentes resultados mediante veladuras.
Para el mallorquín Guillem Nadal “un espacio” es introspectivo. A través de la creación de formas curvas en su obra, subyace la idea de isla. Si bien, no se refiere a la isla donde Nadal nació y reside, sino que alude a un recorrido sentimental como metáfora de la vida, un camino que regresa al punto de partida y finalmente, a la posibilidad de construir tu propia isla. Peter Krauskopf se centra en el espacio propio de sus obras. En sus “Shadowpieces” indaga en los espacios de luz y sombras que deja en sus obras. Con su plasticidad, los cuadros de Krauskopf asignan ineludiblemente un lado u otro al espacio que tienen delante. La mayoría de las veces, el pintor -y más tarde el espectador- se coloca en una posición desde la que la luz parece emanar más allá del lienzo.
En el ámbito tridimensional, la obra de Jose Cháfer destaca por su estudio de la figura y la curva en el espacio. Sus esculturas colgantes desafían la gravedad y transforman la percepción del espacio físico. Esculturas vivas que se mueven, producen sombras, dando vida al espacio que ocupan. Por su parte, Kepa Garraza, en su faceta de escultor, presenta la figura en impresión 3D de un manifestante, correspondiente a su serie de “Let’s Set the World on Fire”. En ella, el artista explora las calles como espacio de protesta y reivindicación de sus “héroes urbanos”. El holandés Pim Palsgraaf se sumerge en espacios vacíos: viejos pasillos y techos a punto de derrumbarse, donde la naturaleza interviene para tomar el relevo. Su trabajo se inspira en la decadencia y las irregularidades de la ciudad, explorando la discordia entre naturaleza y urbanidad. La obra de Palsgraaf es el resultado de una investigación sobre la erosión del centro de la ciudad.
Para José Luis Serzo, un espacio es el teatro, tal y como se evidencia en “Sr. Teatrorum”. Las referencias teatrales en sus obras son infinitas, ya sea de forma explícita o a través de telones, máscaras o vestuarios diversos. Este espacio le conecta directamente con su infancia, ya que creció entre bambalinas junto a su madre, directora de teatro, y comenzó a generar escenografías y mundos desde sus primeros pasos.
Finalmente, Rafael Canogar utilizó en los años 90 papel encolado para realizar sus obras, lo que se relaciona de manera significativa con el concepto de espacio. En estas piezas, Canogar juega con la tridimensionalidad y la bidimensionalidad, creando piezas que parecen interactuar con el espacio que las rodea. El papel encolado permite que las obras se expandan y se transformen, generando texturas y formas que alteran la percepción del espacio.
En conjunto, estas obras nos muestran que el espacio no es solo un contenedor, sino un elemento dinámico que influye en nuestras emociones, percepciones y relaciones. La exploración del espacio en el arte contemporáneo nos invita a cuestionar no solo cómo ocupamos el mundo, sino también cómo el mundo nos ocupa a nosotros.
17 – 20 de octubre 2022
Stand #5C03
La galería Álvaro Alcázar vuelve en una nueva edición a la Feria de Estampa, celebrada en Madrid del 17 al 20 de octubre. En esta edición presentamos la obra de Luis Canelo, Mari Puri Herrero, Juan Gopar, Antonio Murado, Rebeca Plana, Juan Garaizabal, Guillem Nadal, David Nash, José Luis Serzo, Andrei Roiter y Ariel Cabrera.
CRISTINA BABILONI – AQUARIUM
12 de septiembre – 23 de octubre de 2024
La galería Álvaro Alcázar presenta en esta edición de Apertura la exposición Aquarium, de la artista de Castellón, Cristina Babiloni. Tras el éxito de sus dos exposiciones individuales en Nueva York y Andorra, la artista se da cita en Madrid con una gran muestra en la que presenta su obra más reciente. Babiloni se mantiene fiel a la temática del mar en esta exposición, a través de la cual pretende, impulsada por su preocupación por el medio ambiente, acercar la naturaleza marina a la ciudad de Madrid, un lugar sin mar, ofreciendo una experiencia inmersiva y reflexiva.
La muestra se articula en torno a dos partes diferenciadas. Por un lado las arpilleras en gran y medio formato, donde la artista consigue, gracias a sus cargas con pigmentos y otros materiales, reproducir los fondos marinos y arrecifes de coral que invitan al visitante a sumergirse en las profundidades marítimas, casi de forma literal. Si bien en esta ocasión, partiendo de su estilo previo característico, Babiloni incorpora en estos nuevos ecosistemas una paleta de colores cada vez más rica y reduce en cierta medida la carga matérica. El uso de materiales como los acrílicos, arenas, madera o arpillera se convierten en aliados de Babiloni para formar, por medio de esta simbiosis sobre el lienzo, composiciones resistentes. Por otro lado la artista nos trae un elenco de coloridos peces realizados con materiales encontrados sobre metacrilato, técnica esta innovadora de la carrera de la castellonense. Esta experimentación técnica añade una nueva dimensión a su obra, destacando su constante búsqueda de nuevas formas de expresión artística.
Como psicóloga, Babiloni toma la destreza artística como una herramienta capaz de devolver el equilibrio mental a las personas. En sus palabras “el poder de la admiración siempre genera bienestar”, por ello, pese a que cada una de sus pinturas sea diferente, todas ellas funcionan como un vehículo que incita a la meditación por medio de la inmersión en lo natural. La cromoterapia se fusiona con la pintura para influir en el estado anímico de quien contempla su trabajo. En este caso, el medio natural no solo le permite realizar una introspección a su mundo interior, tanto el resultado como el proceso es una cura para las molestias del alma.
Esta fuerte conexión entre su trabajo y el medioambiente se basa en la fascinación, pero también es fruto de una conexión emocional. Este medio permite a la artista reflexionar sobre el mundo que nos rodea; un espacio cargado de pureza que a toda costa debemos preservar. Babiloni afirma que “somos naturaleza”. Por ello, sentirse emocionalmente en este entorno es fundamental, el arte es el medio y el sentido de este proyecto cuenta además con una explicación terapéutica. La imitación de los elementos naturales no solo es cromática, los volúmenes superpuestos y los juegos de texturas crean un contraste de luces y de sombras que hace que las pinturas florezcan. Así, la recreación de fondos marinos, mantos fluidos que imitan al magma o piezas llenas de composiciones orgánicas hacen que el espectador se sumerja en estos “entes vivientes”.
ANTONIO MURADO
30 de julio- 15 de agosto
Club náutico de Ribadeo, Lugo
El Club Náutico de Ribadeo presenta a partir del 30 de julio una exposición monográfica de Antonio Murado. Su comisario, Álvaro Alcázar ha seleccionado una treintena de tablas realizadas en los últimos meses que representan pétalos de flores y que, a modo de iconos, apoyan sobre las paredes de la sala de exposiciones del club naútico, creando una suerte de “galería de iconos”.
El conjunto de las tablas presentadas son la muestra de la nueva etapa artística en la que Murado está trabajando y que presentó hace pocos meses en Santiago de Compostela. En ellas se aúnan dos ideas, por un lado introduce el concepto de icono bizantino, por otro rescata la serie botánica, iniciada en los años 90, que es una de las series más conocidas en su extensa trayectoria. Se trata de pequeñas tablas de en torno a los 35 cm de altura en cuyo interior se disponen pétalos y flores en reservas. La idea de icono viene precisamente, por su pequeño tamaño y por la disposición de las flores y el lugar que ocupan en el espacio. Su cómodo tamaño las hacen ideales para poder transportarlas de un lugar a otro con facilidad.
Estas pequeñas “tablas devocionales” que presenta Murado cambian la figuración religiosa propia del icono por grandes pétalos o flores en su interior, dispuestas en una reserva blanca, variable en proporciones. Esta temática nos lleva directamente a los años 90, momento en que Murado, guiado por su afán de experimentación técnica, se inició en la iconografía botánica. Si bien no es el tema en sí lo que interesa al artista realmente, sino la propia técnica y el comportamiento de los materiales empleados. Murado emplea aquí la técnica del soplado, fórmula a la llegó casi por azar, experimentando con la densidad del óleo y soplando en una sola dirección. El resultado fue el que aquí vemos, formas que nos remiten a pétalos que parecen flotar sobre fondos semitransparentes, creando una pintura, donde, como él ha señalado en alguna ocasión “todo es abstracto y figurativo a la vez”.
Con todo ello vemos como Murado reinterpreta el concepto de icono. Las obras expuestas, aunque pequeñas en tamaño, encierran un simbolismo que trasciende su apariencia y al igual que los iconos bizantinos, estas tablas devocionales invitan a la contemplación. La exposición no solo destaca la habilidad técnica de Murado, sino también su capacidad para reinventar y renovar su propio lenguaje visual. Al rescatar la iconografía botánica de los años 90 y fusionarla con la estética y el concepto de los iconos, el artista nos ofrece una visión contemporánea y personal. En definitiva, las tablas de Antonio Murado no solo son transportables en el sentido físico, sino también en su capacidad para llevarnos a un viaje introspectivo, donde la técnica, la tradición y la innovación se encuentran.
Descargar catálogo de la exposición.
FEET ON THE FLOOR
Junio-julio 2024
La galería Alvaro Alcázar presenta la exposición colectiva Feet on the Floor, en la que participan artistas representados por la galería en sus disciplinas, principalmente pintura y escultura. Algunos de estos artistas con Jose Cháfer, Jude Castel, Peter Krauskopf, Mari Puri Herrero, Ariel Cabrera, Rafael Canogar, Guillem Nadal, Eduardo Arroyo, Antonio Murado o Juan Garaizabal.
BAD + 2024
La galería Álvaro Alcázar participa un año más, en la nueva Edición de la feria BAD en Burdeos, Francia. Para esta ocasión, la galería propone un stand formado por la obra de diversos artistas nacionales e internacionales.
Esculturas de David Nash, Pim Palsgraaf y José Cháfer irán acompañadas de cuadros elaborados por Antonio Murado, Simon Edmondson, Ariel Cabrera, Rebeca Plana y Rubén Tortosa entre otros. Con este ensamblaje de obras, distintas temáticas como la naturaleza, el ocio, y lo abstracto darán vida a un stand cargado de color.
Los elementos naturales de Nash se cohesionan con la escultura de madera de fresno de Cháfer, cuyas curvas evocan los surcos trazados en la pintura de Wolfgang Flad. En cuanto a las pinturas, las flores etéreas de Antonio Murado compuestas por veladuras se conectan con las transparencias de Simon Edmondson. Este último ha presentado dos cuadros que rinden homenaje a los estudios; espacios de introspección y expresividad para el artista. Esta idea no es la única conceptual del stand. Con enormes esculturas que reflexionan sobre la decadencia del mundo moderno, Pim Palsgraaf da vida a las ruinas urbanas para producir un contraste entre lo humano y la pureza de lo natural. Por otro lado, Rebeca Plana y Rubén Tortosa también exploran lo conceptual, en este caso con su obra “Debe/haber”, en la que el lenguaje colabora con la abstracción para resignificar los conceptos. Además, esta idea se alinea con la obra representada por Ariel Cabrera, quien transforma la realidad a través de un prisma histórico y cultural para recrear los espacio cotidiano desde una nueva perspectiva.
En definitiva, nuestra propuesta reúne el trabajo de distintos artistas para destacar la capacidad expresiva y simbólica de cada uno. La suma de las partes hace de nuestro stand una colección de ideas que convergen en un diálogo visual, invitando al espectador a explorar las múltiples capas de significado presentes en cada obra.
MARI PURI HERRERO: EL COLOR DE LOS DÍAS
13 de abril
El 13 de abril la galería Alvaro Alcázar presenta la exposición monográfica El color de los días, de la artista Mari Puri Herrero (1942, Bilbao), donde se aborda la producción más reciente de esta veterana pintora. La muestra reúne alrededor de una treintena de obras sobre papel, que nos sumergen en un mundo donde el pigmento, la naturaleza y lo enigmático son los protagonistas. Gracias a su gran dominio técnico, la artista logra elevar el soporte papel a la categoría de la pintura más refinada, convirtiendo así, dibujo y pintura, en una misma cosa.
La obra de Herrero presentada ha sido realizada durante los últimos tres años y supone una continuidad en su dilatada carrera, siguiendo fiel a su estilo caracterizado por las constantes referencias a la naturaleza, el paisaje, pero también la figura humana. Los papeles recogen imágenes de la cotidianidad que también conviven con la disparidad de los sueños. Referencias que rozan la abstracción y están envueltas en un halo de misterio y silencio. Mari Puri bebe una vez más de sus vivencias o lugares personales como en el caso de Menagaray, en Álava o Bilbao o Madrid.
Es en este universo fantasmagórico donde la artista convierte el color y el dibujo en los principales aliados de su obra. Distintas tonalidades de negros, azules, naranjas, morados y brillantes rojos se asocian con la técnica para retar a lo real. Dando igual importancia al método y a la forma, el dibujo también se suma a la causa. En este caso, el automatismo de la técnica da vida a las figuras y el color eleva las obras a la esfera del surrealismo con tintes expresionistas. Herrero se revela una vez más como excelente dibujante, poniendo mucha atención al detalle, desde la elección del papel artesanal, el tema y sobre todo, el tratamiento del dibujo. Asimismo, llama la atención el formato vertical que presentan mayoritariamente los papeles y que se acentúa con el contenido mismo de las obras; altos cipreses, alargadas siluetas humanas o pequeños fragmentos de papel pegados a modo de collage, que adoptan formas fusiformes y parecen elevarse.
Es una oportunidad para ver la obra de esta artista, como antesala de la próxima gran exposición retrospectiva que prepara Museo de Bellas Artes de Bilbao.
BREVE BIOGRAFÍA
Mari Puri es una de las artistas vivas con más renombre en la escena vasca. Desde su formación, ha vivido en lugares como Amsterdam, París o Madrid, si bien nunca dejado de lado la vida retirada en la naturaleza. Con 17 años se trasladó a Madrid para formarse en talleres de grabado, dibujar al natural en el Círculo de Bellas artes e impregnarse de arte en los diferentes museos de la capital. En 1966 recibió una beca de la Diputación de Bizkaia y del Gobierno holandés para continuar sus estudios en Amsterdam, particularmente en la Rijksakademie. Tras conocer allí la obra de grandes artistas, antiguos y actuales, su trabajo adquirió un sentido más simbolista y después de su estancia en París y con su vuelta a España, comenzó una intensa actividad expositiva, tanto de pintura como de grabado. Hasta recientemente ha continuado con largas estancias temporales en París. Ya sea como pintora, grabadora o escultora, Mari Puri Herrero se ha convertido en una creadora destacable a nivel nacional.
En Madrid, abril 2024
REBECA PLANA: UNTDELEMN
19 de abril hasta el 23 de junio
La Fundación Chirivella Soriano y el Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana se complacen en presentar la exposición «Untdelemn», una muestra que invita a sumergirse en el universo artístico y espiritual de la artista valenciana Rebeca Plana (Albalat de la Ribera, 1976). Bajo la dirección del comisario Álvaro Alcázar, esta exposición estará abierta al público desde el 19 de abril hasta el 23 de junio en el Palau Joan de Vaeliona, un espacio emblemático de la arquitectura gótica civil valenciana.
La exposición toma su nombre de «Untdelemn», una palabra que, aunque procede del rumano antiguo y hace referencia al aceite más exquisito, utilizado en rituales de purificación. Para Rebeca Plana, «Untdelemn» se convierte en una metáfora del acto de «pintar desde el alma», donde la pintura no solo calma y sana, sino que también activa su sistema nervioso. La muestra presenta alrededor de 60 obras, la mayoría creadas recientemente y especialmente para esta exhibición. Estas obras reflejan una etapa vital en la carrera de la artista, marcada por la madurez biológica y mental, así como por la superación personal. Pero además es un diálogo entre diferentes formas de arte; música, literatura y escultura convergen en las obras de Rebeca, enriqueciendo su significado y profundidad. La influencia de artistas como Franco Battiato, Konstantínos Kaváfis y David Nash se hace evidente a lo largo de la exposición, añadiendo capas de interpretación a cada obra.
El estilo distintivo de Rebeca Plana se caracteriza por una abstracción depurada y una paleta de colores sutiles. Sus obras están marcadas por trazos enérgicos, dinámicos y expresivos, que revelan una combinación única de premeditación e improvisación. Esta muestra representa una evolución en su estilo, destacando una mayor simplicidad y esencialidad en su trabajo, sin perder la profundidad y la intensidad que la caracteriza. Esta muestra marca un hito en su carrera y representa una celebración de una década de creatividad y exploración artística.
Sobre la artista:
Rebeca Plana (Albalat de la Ribera, 1976), es licenciada por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 2000. Obtiene Matrícula de Honor en proyectos fin de carrera especialidad pintura. Completa su formación en la facultad de Bellas artes de Lisboa y en el Colegio de España en Paris. Desde que terminó sus estudios ha participado en residencias artísticas y recibido premios y becas como la beca Habitat Artistic (Ayuntamiento de Castellón – EACC), la beca de residencia del Piramidon (Barcelona), la beca de la Fundación O Barco de Valdeorras (Orense), la beca de residencia del Museo Picasso (Málaga), beca de la Fundación Rodríguez Acosta, y premios como el Senyera de pintura de Valencia, Ateneo mercantil de Valencia, o la mención de Honor en el premio BMW.
El trabajo de Rebeca Plana también ha sido mostrado en exposiciones individuales, en museos y galerías, como es el caso de la Sala Gallera (Valencia), la Galería Fernando Latorre (Madrid) o Galería Punto (Valencia), además de Colegio de España en Paris y la Real Fábrica de Tapices. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en espacios como el IberCaja Zaragoza, Casa de Vacas Madrid, o la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. También participa activamente en ferias junto a las galerías que la representa en Ferias de Arte Contemporáneo como JustMad (Madrid), ARCO (Madrid), Gante Artfair (Bélgica).
6 – 10 de marzo de 2024
Stand #7A13
La galería Álvaro Alcázar participa un año más, en la nueva Edición de la feria ARCO, tal y como lleva haciendo desde su nacimiento en 2006. Para esta ocasión, la galería propone un stand dividido en tres partes diferenciadas:
En primer lugar, una pared exterior que muestra la serie “Las Virtudes Cardinales” de Rafael Canogar. Este artista es el único miembro vivo del grupo el Paso (1957-1960) y su legado sigue otorgándole a sus 88 años un gran reconocimiento a nivel nacional e internacional. En particular, para esta edición Canogar ha elaborado cuatro pinturas de gran tamaño: Fortaleza, Justicia, Templanza y Prudencia, hechas en honor a las virtudes mencionadas en la República de Platón y cuyo motivo también remata la recientemente restaurada Puerta de Alcalá de Madrid.
En segundo lugar, la galería ofrece un stand de 65 m que agrupa una decena de obras unidas por un misma temática: la eritropsia. Este concepto alude a una alteración temporal de la vista en la cual, las personas afectadas lo ven todo a través de un filtro rojizo. De esta forma, este apartado busca acercar al espectador a lo que sería ver “la vida de color rojo” a través del trabajo de artistas conectados por esta tonalidad. Para ello permanecerán exhibidas esculturas como las del artista Jose Cháfer, quien utiliza madera de secuoya roja, Kepa Garraza que presenta uno de sus héroes urbanos o la vista oculta de San Pedro de Juan Garaizabal. En el campo de la pintura, las obras de Jose Luis Serzo, Antonio Murado, Peter Krauskopf o Cristina Babiloni también se unen a la temática rojiza junto con las propuestas en papel de Mari Puri Herrero, Rebeca Plana y el británico Simon Edmondson. La mayor parte de ellos son artistas que han creado obras específicamente para la ocasión. De los ya fallecidos, Eduardo Arroyo y Nacho Criado, se han seleccionado algunas de sus obras más icónicas que se adaptan a las tonalidades de esta temática.
Finalmente, al stand principal se suma el Solo Show del escultor David Nash, quien es considerado como uno de los artistas punteros del Land Art Británico. Para ello, este espacio está conformado por esculturas verticales de madera, un modelo típico en la producción del artista, dispuestas en lo que el autor concibe como un “bosque natural”.
Agradecemos la ayuda del ministerio de cultura para la realización de esta actividad.
Actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura.